Американские психоделические рок-плакаты 60-х годов

ПРЕДЫСТОРИЯ

Разглядывая концертные рок-плакаты 50-х и начала 60-х годов прошлого века, трудно обнаружить там, хотя бы слабые намеки будущей психоделичности. Афиши тех лет оформлялись предельно просто: крупные надписи на белом/чёрном (реже — цветном) фоне, указывающие исполнителя, время и место. Изображения крайне редки: это в лучшем случае какой-нибудь простенький рисунок, либо фотография артистов.

В общем, такие плакаты имели сугубо информативный характер, без особых претензий на высокохудожественость.

Несколько концертных плакатов в «боксёрском стиле» и один, настоящий, боксёрский

Это называлось «плакаты в боксёрском стиле» (boxing-style poster), ведь примерно так же оформлялись боксёрские поединки и спортивные мероприятия: фотографии спортсменов (артистов) друг напротив друга и кричащая надпись, зазывающая народ на захватывающее зрелище.

Высокохудожественные плакаты в те годы, имелись у театра и кино. Но кинематограф, а уж тем более театр — это общепризнанное искусство. Неплохие концертные плакаты были у всяких там джазовых и фолковых фестивалей. Но фестиваль — крупное событие, которое происходит не каждый день (сюда же, можно отнести плакаты ко всяческим выставкам). Да и вообще, джаз — вроде как, интеллектуальная музыка и довольно старый, признанный, стиль… Ну а, что такое рок-концерт — всего лишь развлекалово для глупых тинэйджеров!

Плакаты двух крупных калифорнийских фестивалей: Монтерейского джазового и Фолкового в Биг-Суре

Некоторые тенденции в изменении концертных рок-плакатов, наметились ближе к середине 60-х годов, во времена заката «боксёрского стиля». Верхом крутизны в этом направлении, стало создание «радужного» фона, на котором несколько цветов плавно переходили друг в друга. Выглядело это весьма игриво, но всё же, не сильно выходило за границы строгих рамок и правильных форм. У них такой вид печати называется «split-fountain», а у нас — «ирисовая печать». В цифровой печати, аналогичного эффекта можно добиться градиентом.

Примерно так

И вдруг, в середине 60-х появляются психоделические плакаты. Вот так вот, бац, и всё, словно какой-то красочный взрыв! Необычные рисунки, яркие цвета, закрученные шрифты, хитроумно вплетенные в общее изображение...

Откуда взялось всё это?! Совершенно ясно, что с предшественниками — рок-плакатами 50-х — начала 60-х, их роднит немногое. Только, собственно, стиль рок-музыки… Уж не внебрачное ли это детище?!

Сейчас я постараюсь рассказать, где зарыты корни этой новой моды. Ведь, как известно, всё новое — это хорошо забытое старое…

КУЛЬТУРНЫЙ ПОДТЕКСТ

Своим появлением и популярностью, психоделические плакаты, в первую очередь, обязаны субкультуре хиппи. Ведь, вторая половина 60-х годов — знаменовала наступление их эпохи, со всеми из этого вытекающими, которые, если не вдаваться в подробности, можно описать как интерес ко всему эдакому, яркому, эзотеричному и необычному, духовному изобилию при некотором отказе от материальных ценностей. Вчерашние тинэйджеры подросли, и для удовлетворения их эстетического голода требовались новые формы.

Естественно, большинство «психоделических художников» было частью движения хиппи, или около того. Необычная и красивая обёртка снова оказалась в цене. Но теперь, дабы угодить поколению бунтарей, она должна была быть ещё и с контркультурным подтекстом.

Эволюционировала и сама рок-музыка. Она стала чуточку интеллектуальней и гораздо изощрённей. Музыканты поколения хиппи смешали её с элементами из других музыкальных стилей (блюза, фолка, джаза, классики, восточной музыки и прочей этники). Так получился психоделический рок. Психоделический — это значит «расширяющий восприятие».

Психоделия наступала по всем фронтам: психоделические вещества, психоделическая музыка, психоделическая поэзия… Однако, визуальная сторона психоделической музыки слегка запаздывала. Некоторые афиши ранних концертов хипповых исполнителей, по инерции, были выполнены в «боксёрском стиле». Ну, или в «боксёрском», с «радужными» переливами. Так сказать, музыка — новая, но оформление — ещё старое…

Конец 1965-го, и середина 1966-го года

Разберем психоделические концертные плакаты с точки зрения стиля:

Если говорить кратко и прозаично (а я не люблю говорить кратко и прозаично, а предпочитаю «растекаться мышью по древу»), большинство из них — это прошловековой стиль модерн (ар-нуво), а также ар-деко, на которые, поколение художников-шестидесятников, взглянуло по-новому в свете свежих идей, позаимствованных из стилей поп-арт и оп-арт (оптическое искусство).

Ну и, естественно, более продвинутые технологии печати (офсетная печать и шёлкография), в деле производства — тоже пошли на пользу и подарили свободу в вариативности цветовых решений и выборе материалов, приведшею к столь чудесному многообразию.

МОДЕРН

От модерна психоделический плакат перенял свою самую узнаваемую черту — эффектные рукописные шрифты, ну и, общее тяготение к «плавным формам», «природным мотивам» и красивым женщинам (чем не воплощение «плавных форм»?!).

Вплоть до откровенных заимствований:

Альфонс Муха, реклама сигарет, 1898 г. Стэнли Маус и Алтон Келли, 1966 г. Плакат-пародия от Боба Массы, 1967 г.

Плакат бруклинской выставки Альфонса Мухи, 1921 г. Работа Донны Геррик, 1967 г.

И снова Муха, 1896 г. Работа неизвестного калифорнийского плакатиста, 1967 г.

Плакат австрийского художника Юлиуса Клингера, 1924 г. Работа неизвестного калифорнийского плакатиста, 1966 г.

Картина немецкого художника Франца фон Штукка, 1893 г. Плакат Уэса Вилсона, 1966 г. и 2 плаката Стэнли Мауса и Алтона Келли (оба — 1966 г.)

Работа немецкого художника и дизайнера Петера Беренса, 1898 г. Плакат Стэнли Мауса и Алтона Келли, 1967 г.

Иллюстрация Эдмунда Салливана к англоязычной книге переводов стихов Омара Хайяма, 1913 г. Плакат Стэнли Мауса и Алтона Келли, 1966 г.

Ну и ещё примеров психоделических афиш а-ля модерн, с заимствованием и без:

Уэс Вилсон, 1967 г. Клиффорд Сэлли, 1967 г. Крис Брэйг, 1967 г.

Виктор Москосо, 1967 г. Бонни МакЛин, 1967 г. Николас Койнинос, 1967 г.

ПОП-АРТ

От поп-арта — технический подход, «кричащие» цвета, использование коллажей, повторяющихся мотивов, и порой нестандартный выбор материалов. Нередко один и тот же плакат мог быть растиражирован в разных цветовых решениях. А напечатаны они могли быть не только на бумаге, но и на ткани, и даже, например, на фольге.

Цветовая вариативность: Нэд Ламонт (он же, Том Гласс), 1966 г. Виктор Москосо, 1967 г.

Плакаты с фольгой: П.Линенталь, 1966 г. Пенелопа Брокеншир, 1967 г. Франк Бэттенкорт, 1968 г.

 

Плакаты нестандартной формы: Майкл Вуд, 1967 г. Гэри Эссет, 1967 г. Стэнли Маус и Алтон Келли, 1968 г.

Печать красочных слоёв со смещением (для создания галлюциногенного эффекта) у Стэнли Мауса и Алтона Келли, 1966 г. Сильно растрированный Чаплин у Сан-Андреаса Фаульта (Тэда Хантера), 1968 г. Кто автор - не известно, но это вообще, поп-арт в кубе!

Сюда же можно отнести использование популярных образов: из комиксов, фильмов и мультипликации. Фотографии и изображения известных людей… А также, образы, популярные именно в кругу хиппи. Например, всякая эзотерическая, пацифистская и леворадикальная символика.

Да и в целом, очевидно, что «психоделические плакатисты» относились к своей работе, как к процессу создания объектов популярного искусства!

Обложка журнала «Жизнь», за декабрь 1954-го, с фотографией «человека-зебры», изображающей действие стробоскопа, стала источником вдохновения для сразу нескольких плакатов: Стэнли Мауса и Алтона Келли, 1966 г. Гари Гримшоу, 1966 г. (это правда, не калифорнийский плакатист, а мичиганский) и Вилфреда Вайзера, 1967 г.

Знаменитости: директор ФБР — Джон Эдгар Гувер, на плакате Йао, 1967 г. Авраам Линкольн на плакате Джима Майклсона, 1967 г. Боксёр Мохаммед Али на плакате Джо Гомеза, 1967 г.

Индейцы, как «предтечи» хиппи: Стэнли Маус и Алтон Келли, 1966 г. Рик Гриффин, 1967 г. Джон ван Хамерсвельд, 1968 г.

Восточные йоги и гуру: Неизвестный калифорнийский художник, 1966 г. Стэнли Маус, Алтон Келли и Майкл Боуен (фото), 1967 г. Хаври Коэн, 1967 г.

Мультяшная и комиксная тематика: Уэс Вилсон, 1966 г. Мэри Кей Браун, 1966 г. Рик Гриффин, 1967 г.

Актёр Лон Чейни в немом чёрно-белом ужастике «Призрак оперы», 1925 г. Совместный плакат Рика Гриффина, Стэнли Мауса и Алтона Келли, 1967 г.

Борис Карлофф в роли чудовища из чёрно-белого ужастика «Франкенштейн», 1931 г. Плакат Алтона Келли и Стэнли Мауса, 1966 г.

Грета Гарбо в роли Маты Хари из чёрно-белого фильма, 1931 г. Плакат Уэса Вилсона, 1966 г.

Фотография актрисы Глории Свенсон, сделанная Эдвардом Стайхеном в 1924 г. Плакат Алтона Келли и Стэнли Мауса, 1966 г.

Пацифистская символика: неизвестный калифорнийский художник, 1966 г. Уэс Вилсон, 1966 г. Бонни МакЛин, 1967 г.

Восточный символ инь-ян: Уэс Вилсон, 1966 г. Неизвестный художник, 1967 г. Рик Гриффин и Виктор Москосо, 1968 г.

Мандала — ещё один популярный восточный символ: Роберт Бренемен, 1966 г. Виктор Москосо, 1967 г. Ларри Старк, 1968 г.

Масонская символика: Стив Реник, 1966 г. Виктор Москосо, 1967 г. Рик Гриффин, 1967 г

И, просто, яркие плакаты: Джордж Якобс, 1966 г. Джон Адамс, 1966 г. Франк Бэттенкорт, 1968 г.

Использование образов из старой рекламы, популярных книг, классики мирового искусства, карикатуры и выстёбывание патриотических плакатов:

Реклама магазина музыкальных инструментов, конец 19-го века. 2 концертных плаката (Боба Коллинза и неизвестного автора), 1966 г.

Реклама сигарет, 19-й век. Неизвестный калифорнийский художник, 1967 г.

Рисунки сэра Джона Тенниела (первого оформителя кэрролловской «Алисы») на плакатах: Эрик Дайтон, 1967 г. Неизвестный автор, 1967 г. Дотти, 1968 г.

Карикатуры немца Генриха Клея: Уэс Вилсон, 1966 г. Ричард Лайон, 1966 г. Неизвестный художник, 1967 г.

Произведения эпохи Возрождения на плакатах у: Рика Гриффина, 1967 г. Неизвестного автора, 1967 г. Дэниэла Феннелла, 1967 г.

 

ОП-АРТ

Ну, а от оп-арта — работа с объёмом, стремление создать картинку-головоломку, да и вообще, «взорвать мозг» потенциальному зрителю. При создании некоторых плакатов, художники в укор логике и самой цели концертного плаката (донести до общественности чёткую информацию о предстоящем событии), чуть ли не зашифровывали ключевую информацию, с расчетом на то, что зритель будет долго «втыкать» в их плакат, прежде чем поймет, что тот символизирует и рекламирует.

Работа оп-артовой художницы Бриджит Райли, 1962 г. Листовка Рэя Андерсена, 1966 г. Плакат неизвестного калифорнийского художника 1966 г.

Снова Бриджит Райли, 1964 г. Неизвестный калифорнийский художник, 1967 г. Коллин Кэннон, 1967 г.

Работа Виктора Вазарели, 1957 г. Плакат Боба Массы, 1966 г. Плакат Вилфреда Вайзера, 1968 г.

Работа Ричарда Анушкевича, 1965 г. Плакат Виктора Москосо, 1966 г. Плакат Боба Фрайда, 1967 г.

 

ИМП-АРТ

Ну и, конечно же, имп-арт (импоссибилизм — изображение невозможного), как нечто среднее, между сюрреализмом и оп-артом, тоже, повлиял на психоделический плакат:

Рисунок Маурица Эшера, 1944 г. Плакат анонимного художника, скрывающегося за псевдонимом Л.Б.Джонсон (тогдашний президент США), 1967 г. Плакат Ли Конклина, 1968 г.

Ещё немного странных шрифтов и мозговыноса:

Джон Майерс, 1967 г. Рик Гриффин и Виктор Москосо, 1967 г. Некто, скрывающийся под псевдонимом «Неоновый Парк» (Neon Park), 1968 г.

Мэри Тэппер, 1967 г. Стив Картун, 1968 г. Рик Шабб, 1968 г.

 

ХИППИ

Ну а теперь, мы совершим небольшой экскурс в историю, на предмет, кто же такие хиппи.

Надо сказать, сами хиппи, себя изначально называли вовсе не «хиппи», а, скорее уж «фрики» — чудаки. Название «хиппи» дала им американская пресса, но оно быстро прижилось и крепко прилипло. Это следует понимать как «прошаренные, кайфовые, врубающиеся и модные»! Также, впоследствии станет распространено ещё одно их наименование – дети цветов…

Подавляющее большинство первых хиппи происходило из поколения, родившихся в 40-е года, на волне бэби-бума, произошедшего в США на радостях от победы во Второй мировой войне. Молодёжи стало больше, и они захотели как-то повлиять на этот старый мир.

Как это ни смешно, но можно сказать, что на появление хиппи, хоть и не напрямую, но повлияли: Гитлер (точнее, победа над ним), Ленин (с его коммунистическими идеями) и Фрейд (с идеями сексуального раскрепощения). Дотошные могут приплести сюда ещё философов от Гегеля до Маркузе, ядерную бомбу (опасайтесь радиации и мутаций!), войну во Вьетнаме (опасайтесь призыва в армию!), движение за равенства и «права человеков» (и даже негров!), да и вообще, чёрт знает что ещё…

Ну и, конечно же, на хиппи чрезвычайно повлияла предшествовавшая им субкультура битников. Битники подготовили почву хипповым идеалам своим нонконформизмом, стремлением к свободе во всём, презрением материальных ценностей, оседлой жизни и карьеризма, повышенным интересом к литературе, философии, а также эзотерике, мистике, восточным религиям, ну и к наркотическим веществам. Хиппи, как и битники, владели специфическим сленгом, позволяющим быстро определить незнакомого им человека в системе «свой — чужой». По-сути, хиппи были теми же битниками, но помладше и с рядом «надстроек» и отличий. Относились к жизни позитивнее битников (недаром последних ещё именовали «разбитым поколением»), одевались иначе (ярко, а не мрачно), носили длинные волосы (в стремлении быть «ближе к природе» и естественней), и слушали другую музыку (рок, а не джаз. Хотя, фолк и те и те котировали!).

Очаги распространения «хипповой заразы» спонтанно возникали по всей стране, но особенно пышным цветом, движение хиппи распустилось в калифорнийском городе Сан-Франциско, где до этого было сильно движение битников. Хиппи превратили тамошний район, находящийся на пересечении улиц Хейт и Эшбери, практически, в свою резиденцию.

«Молодёжь шестидесятых, вот они стоят

Это толпы волосатых девок и ребят…» фото Дэннис Мэнсс, 1967 г.

(First) Psychedelic Art Exhibition (1965)

“Выставка психоделического искусства” (Psychedelic Art Exhibition), открывшаяся 5-го июня 1965-го года в нью-йоркской картинной галерее “Кода” (The Coda Galleries), расположенной на Манхэттене в районе Ист-Виллидж.

Листовка Castalia Foundation

Открытие психоделической выставки состоялось при содействии фонда Castalia, небезызвестной “милбрукской тусовки”, возглавляемой бывшим гарвардским преподавателем, а ныне, кислотным пророком - Тимом Лири (Timothy Leary). Эта выставка стала частью целой серии мероприятий, организованных Castalia Foundation летом 65-го.

На выставке были продемонстрированы графические и живописные работы художника-абстракциониста Айзека Абрамса (Isaac Abrams) и сюрреалиста (по совместительству автора афиши сего события) Берта Шонберга (Burt Shonberg), Аллена Атвелла (Allen Atwell), и сюрреалиста Мати Кларвейна (Mati Klarwein). Небольшой концерт джаз-банда под управлениемТакже, была проведена лекция на тему расширения сознания и применения оного в искусстве от психологов Ричарда Альперта (Richard Alpert), Ральфа Мецнера (Ralph Metzner), Майкла Холлингсхеда (Michael Hollingshead), философа Алана Уотса (Alan Watts), искусствоведа Мелвина Романа (Melvin Roman) и доктора Джозефа Берка (Joseph Berke). Ну и самого Тима Лири, конечно!

После открытия, картины и фотографии (но уже без лекций) выставлялись в галерее “Кода”  на протяжении 3-х недель, но помимо этого, там происходило ещё много чего интересного, о чём вы, впрочем, узнаете чуть позже (в разделе, про деятельность Айзека Абрамса).

А сейчас, несколько слов о плакате этого события:

Он выглядят сделанными как-то небрежно, на скорую руку. Его автора, Берта Шонберга, трудно обвинить в неумении рисовать, я думаю, что он и вправду просто не парился по поводу афиши. Эта работа ничем не отличается от рекламы популярных тогда мероприятий “для своих”, проводимых в небольших битнических кафешках по всему США (поэтических чтений, например, фолк или джаз-выступлений). Такие афиши обычно рисовали мелом по доске или прямо на стекле самого заведения, либо на простом листе бумаге, и, как правило, они были в единственном экземпляре. Собственно, “Выставка психоделического искусства” была вполне себе битническим мероприятием, художественная галерея – битническая, и сами художники – битники. Субкультура хиппи в 1965-м году ещё только самоопределяться и отпочковываться от тех же битников, а моды на психоделические плакаты ещё не существовало… Значит, большего и не надо было.

А теперь о самих художниках, представленных там. Итак:

Берт Шонберг

Берт со своей картиной

Родился 30-го марта в 1933-го года в Ревире (штат Массачусетс). С 1953 по 55-й посещал школу при Бостонском музее изящных искусств (Boston Museum Of Fine Arts). В 1956-м был призван на службу в армию США, а через год, по возвращению, продолжил художественное образование, поступив в лос-анджелесский колледж дизайна “Арт-центр” (Art Center College Of Design). Очевидно, что наибольше влияние на стиль Шонберга оказало искусство сюрреализма и кубизм. Его любимым художником был Пабло Пикассо.

Вот эта готишная дама

За годы студенчества Берт знакомится с Марджорджи Камерон (Marjorie Cameron) - актрисой, светской львицей, художницей и оккультисткой. Впоследствии они становятся любовниками.

Естественно, Камерон заражает Берта своим интересом к работами Алистера Кроули, Гурджиева и прочей мистикой, эзотерикой да саентологией. А также, знакомит его с галлюциногенным кактусом пейотом, изначально, использовавшимся некоторыми индейскими племенами в своих ритуалах, а теперь, набравшим популярность в среде “белой” богемы. Ещё одним большим увлечением Берта станет фолк-музыка.

Плакат фильма

Живя в непосредственной близости к Голливуду и крутя роман с актрисой, Шонберг, само собой, никак не мог оставаться в стороне от мира кино. В 1958-м году становится арт-директором на съемках малобюджетного ужастика “Пожиратели мозгов” (The Brain Eaters), это так называемое “кино категории B”. Кстати, в дальнейшем Шонберг еще не раз будет принимать участие в съемках фильмов.

Буклет конверта пластинки

Кроме того, в том же 58-м году Шонберг оформил буклет пластинки британского композитора Рона Гудвина (Ron Goodwin) – “Music In Orbit”.

Шонберг и Майрс

Ну и, пожалуй, главное достижение Шонберга в 1958-м – то, что он, совместно со своими друзьями - фолк-музыкантом Дугом Майрсом (Doug Myres) (из групп The Gateway Singers и The Easy Riders) и начинающим писателем Джорджем Клейтоном Джонсоном (George Clayton Johnson), открыл в Лагуне-Бич (пригороде Лос-Анджелеса) фолк-клуб “Кафе Франкенштейн” (Café Frankenstein). Кстати, вышеупомянутый Джордж Джонсон впоследствии сделал весьма успешную карьеру голливудского киносценариста. Великий Хичкок не преминул экранизировать один из его рассказов в своем сериале “Альфред Хичкок представляет…” (Alfred Hitchcock Presents). Также, несколько серий культового сериала “Сумеречная зона” (The Twilight Zone) основываются на произведениях Джонсона.

Берт у стен кафе

Но вернёмся к кафе: Берт собственноручно декорировал его стены и окна рисунками с эзотерической символикой. Увы, мрачный, “сатанистский” антураж и зловещее название, сыграли с заведением нехорошую шутку. Неподалеку располагался офис местного отделения Церковной лиги Америки (Church League of America), прихожане которого, даром, что сами далеко не самые каноничные христиане, а скорее христианская секта, крайне возмутились соседством с “богохульным вертепом”. Они объявили его своим врагом №1, местом, где прославляют “дьявола-Франкенштейна” (а вы что, не слышали, что Франкенштейн, это одно из имён Сатаны?!), и стали проводить регулярные акции протеста непосредственно у дверей заведения, препятствуя входу посетителей.

Здание (если этот сарай можно назвать таковым) кафе

Меню

Визитная карточка

Также, в 59-м году у владельцев кафе появились проблемы с местной полицией, когда ребята решили организовать рекламный фотосет с нагой моделью на фоне стен своего заведения, а активные граждане вызвали к ним копов.

За пару лет, вся эта чехарда проблем, так достала владельцев кафе, что они продали-таки его в 1960-м году. Но терпения новых хозяев тоже ненадолго хватило. Вести дела с такими соседями было тяжело. Так что, вскоре “проклятое” здание кафе было перепродано, а затем вообще снесено от греха подальше.

Аминь!

Тем не менее, в начале 60-х годов, Шонберг в схожем стиле оформил ещё несколько заведений Лос-Анджелеса. В основном это музыкальные клубы, а также один книжный магазин. Не всех их настигло “проклятье Франкенштейна”! Некоторые из этих заведений функционируют и по сей день.

Плакат фильма

Также, в 1960-м Берту снова довелось поработать в мире киноиндустрии: арт-директором на съемках еще одного ужастика - “Код тишины” (Code Of Silence).

 

В музыкальной индустрии в 60-м Шонберг тоже успел поработать: портрет великого русского композитора П.И.Чайковского его кисти, стал обложкой пластинки “Симфония №6” в исполнении Лос-анджелесского филармонического оркестра.

А ещё, в 1960-м году, Берт Шонберг, уже знакомый с пейотом, официально “вступил в ряды психонавтов”. Он стал одним из подопытных добровольцев лос-анджелесского доктора психиатрии Оскара Янигера (Oscar Janiger), ставившего медицинские эксперименты по влиянию препарата ЛСД-25 на психику человека и его творческие способности. Кстати, Янингер – двоюродный брат культового поэта-битника Аллена Гинзберга. А Берт являлся большим ценителем гинзбергской поэзии.

На этот экспериментах, Шонбергу вверялось создавать картины под воздействием ЛСД. Полученный опыт, вкупе с эзотерическими изысканиями, навсегда оставил след в мировосприятии и творчестве нашего героя.

Впоследствии Берт неоднократно еще будет обращаться к этому источнику в поисках вдохновения.

Напомню, что до 1966-го года ЛСД был легален и считался экспериментальным медпрепаратом, а не наркотиком.

Плакат "Дома Ашеров"

 

В 1962-м Берт сотрудничал как художник декораций с режиссером Роджером Корманом (Roger Corman) при создании 2-х фильмов: “Падение дома Ашеров” (The House Of Usher) и “Преждевременные похороны” (The Premature Burial). Оба этих фильма были экранизациями произведений Эдгара Аллана По.

В 1963-м оформил сборник научно-фантастических рассказов “Гамма 2 – Новые горизонты художественной литературы” (Gamma 2 – New Frontiers In Fiction).

В том же 63-м Шонберг покидает США и отправляется в двухлетнее путешествие по Европе, где знакомится с Сальвадором Дали. В США Берт возвращается в 1965-м и поселяется уже не в Лос-Анджелесе, а в Нью-Йорке. Видимо “европейские впечатления” не прошли напрасно: 65-й станет самым плодотворным годом в творчестве Шонберга. Также в этом году он принимает участие в упомянутой ранее выставке “Psychedelic Art Exhibition”.

Однако в Нью-Йорке он надолго не задерживается и вскоре возвращается в Лос-Анджелес. Там, в 1967-м году в галерее Современного искусства (Gallery Contemporary Art) прошла первая и единственная персональная выставка Берта Шонберга.

Дальнейшие сведения о жизни Берта весьма обрывочны, да и творческая его активность идет на спад. Поэтому я дам их вам списком:

 

Альбом Love

И картина

В 1969-м году старая шонбергская работа (1965-го года) попадает на обложку альбома лос-анджелесской группы Love “Out Here” (названном, кстати, в честь этой картины).

В том же году выходит пластинка антивоенных мелодекламации поэтессы Элизабет Кейз (Elizabeth Case) “Pax And Dig” с шонбергской обложкой. Однако рисунок этот был сделан Шонбергом еще в 50-е, для самиздатовской книги стихов Кейз.

Вот эта

1972-м старая картина Шонберга (1965-го года) попала в буклет пластинки рок-дуэта Finnigan And Wood - “Crazed Hipsters”.

К середине 70-х у Берта начались проблемы с психикой (раздвоение личности), и появилось альтер-эго - Джек Бонд (Jack Bond). Он подписывал свои последующие работы таким именем.

В 1975-м году Шонберг/Бонд оформляет пластинку своих друзей лос-анджелесской рок-группы Spirit – “Spirit Of ‘76”. Стал также, соавтором двух композиций на этом альбоме и одной на последующей пластинке Spirit – “Future Games (A Magical-Kahauna Dream)”.

В 1976-м году старая шонбергская работа (1965-го года) попадет на обложку единственного альбома рок-группы The Curtis Bros.

Берт Шонберг умер 16 сентября 1977 г. в возрасте 44-х лет.

Посмертно, в 1980м году, шонбергский рисунок появится на обложке “All Of Us Are Dying” - сборника рассказов его друга и коллеги по кафе “Франкенштейн”, писателя Джорджа Клейтона Джонсона.

Посмертно, в 1988-м работа Шонберга появится на обложке альбома американской нью-вейв группы The Zarkons - “Between The Idea And The Reality... Falls The Shadow”.

Небольшая галерея работ художника, которые вполне могли висеть на “психоделической выставке” (все они сделаны до 1965-го года):

Self Portrait (1958)

Two Figures (1958)

Mars; The God of War (1960)

Atlantis (1960)

Earth Child (1961)

Seated Figure in Chair (1961)

The Dawning of the Clear Light of Reality (1965)

Aztec Vision (1965)

К слову, в интернете существует сайт, посвященный творчеству художника, где вы можете ознакомиться и с другими его работами: http://burtshonberg.com/

P.S. и, кстати, небезызвестный битл Ринго Старр является большим поклонником творчества Берта Шонберга и коллекционером его картин.